Reflexión Final

Miguel Botello A01193425
Mauricio Garza A01193289

Opiniones

En las distintas épocas que vimos durante todo el semestre en la clase de literatura clásico y apreciación del arte podemos observar evoluciones que sucedían a través del arte. Por un principio podemos ver en la época clásica que el arte trataba de recrear el mundo ideal y natural, así como la belleza. En está época se construían con el ideal de un ser perfecto hacia la imagen que tenían de Dios. Después nos vamos a la Edad Media que comienza con la época Bizantina y su enfoque primordial era Dios, esto lo podemos ver en la obra de Cristo Pantocrátor. A diferencia de la época clásica, la Edad Media tenía el ideal de que Dios era el centro del universo y muchos de las esculturas eran dedicada a Dios, como se ve en las majestuosas catedrales. Finalmente llegamos a la época del renacimiento, cuando el arte comienza a ser más realista y se comienza a enfocar en el humano. El ideal cambió a ser antropocentrismo refiriéndose a que ahora el humano era el importante. En las obras del renacimiento se basan más en el hombre por lo que incluyen los sentimientos y se crean más realistas basándose en el cuerpo humano ya existente.  

La importancia del arte para la expresión ideológica y cultural del hombre ha evolucionado al pasar del tiempo. Está evolución es la evolución que vemos en el arte y como dependiendo de la época comienza a cambiar lo que están expresando las personas y además cambia la manera en la que lo hacen. En la época clásica podemos observar como siempre tratan de tener centralizada la imagen de los Dioses y ese es su único parámetro para el arte. Poco a poco vamos viendo el cambio y en la Edad Media comenzamos a ver que solamente se centralizaban en un Dios haciendo esto monoteísta. Y en esta misma época el hombre comienza a pensar más en lo que realmente el humano representaba. Y así llegamos al renacimiento y en esta época todo comienza a ser basado en el hombre y Dios sigue estando presente pero ya no se ve como lo más importante, ahora el hombre es lo más importante y se comienza a reflejar en el arte.

                  Lo que yo aprendí en este semestre fueron muchas cosas importantes que de seguro me servirán en el futuro de esta vida. Las habilidades que aprendí fueron: como analizar una obra de arte de manera artística o histórica y como argumentar opiniones y posiciones de mi propio ser. Esto fue lo que más aprendí ya que es lo que hacíamos casi todas las clases y la maestra siempre nos decía que utilicemos argumentos lógicos. Otra cosa que aprendí es la historia básica del arte atreves de las épocas, que aunque a mí en lo personal no me interesa tanto, si disfrute aprender sobre esto. Otro aprendizaje que obtuve fue el de como la mente humana fue cambiando su opinión respecto a cosas atreves de las épocas; antes pensaban que el humano era perfecto, luego que Dios era el centro y luego que el humano era el centro otra vez.

                  En este semestre de la clase de literatura clásica y comprada y apreciación del arte aprendí demasiadas cosas. Por un lado aprendí sobre historia porque teníamos que adentrarnos a la situación y época que estabamos conociendo. Además aprendí todos los artistas famosos de cada época y sus obras de arte más representativas. Por otro lado aprndí a analizar una obra de arte siguiendo los pasos de ambos métodos, el crítico y el histórico. Aprendí como argumentar las opiniones que yo tenía acerca de una obra de arte y como expresarlas de acuerdo a los elementos y principios del arte. Y finalmente aprendí sobre las evoluciones que tuvo la mente humano con respecto a los ideales que tenían en las distintas épocas y cuales fueron las causas y además cuales fueron las consecuencias que se demostraron en el arte. Creo que esto me va a servir en un futuro como cultur general acerca de las diferentes épocas, escritores, y obras de arte, y también me servirá para poder analizar las siguientes obras que vea y saber si son ya sea estética o históricamente valiosas.

Análisis La Noche Estrellada

Miguel Botello A01193425
Mauricio Garza A01193289

Reflexión Final

La Noche Estrellada es una obra creada por el pintor proveniente de Holanda llamado Vincent Van Gogh. La Noche Estrellada fue creada en los últimos años del pintor Van Gogh en  Saint-Rémy-de-Provence, desde su dormitorio en un manicomio. La pintura puso en tinta la vista desde la ventana en la que él se recluyo ya hacía el final de su vida. La forma en la que el arte fue creado fue con pintura utilizando pinceles finos; coloreando en forma de oleos para dar la impresión que hay movimiento en la noche. La obra de arte fue creada a la luz del sol aunque la bosquejo representa la noche, se dice que Van Gogh se memorizo la ciudad de noche para después ponerla en el lienzo.

                 

El estilo de la obra es post-impresionista usando olas y pinturas de aceite para sus dibujos. El significado de los post-impresionista es que la pintura intenta demostrar algo de forma real pero al mismo tiempo quitándoles lo real. Esto significa que las pinturas intentan representar algo que si existe pero al mismo tiempo le agregan como un poco de magia a las pinturas. En la Noche Estrellada esto se demuestra en la representación real de la ciudad al igual que sus montañas (todos los edificios, montañas y hasta estrellas se encuentran en su posición real) pero se niega lo real con las líneas en movimiento de las olas. También se deja ver que la pintura no intenta parecer real en los colores obscuros usados por Van Gogh y en el tamaño de las estrellas y la luna.

                  

El autor vivió en una época donde grandes cambios tecnológicos estaban ocurriendo, como la gran expansión de la electricidad y la invención del bombillo de luz, entre otras hazañas tecnológicas. El autor en esa etapa de su vida estaba pasando por un momento difícil ya que sufría de problemas mentales como la depresión y por eso lo metieron en el manicomio en la ciudad de Saint-Rémy-de-Provence. Esto al final no sirvió de tanto ya que Van Gogh se suicidó trece meses de hacer La Noche Estrellada. En el manicomio que se encontraba, solo lo dejaban salir de día al aire libre, y por eso el autor se tuvo que memorizar la ciudad para pintarla dentro de su cuarto. Van Gogh vivió en la época contemporánea en donde los autores de pinturas experimentaban técnicas y formas de artes nunca antes vistas como el cubismo de Picasso.

           La obra si es históricamente valiosa ya que el estilo que Van Gogh impuso era único de él y demostró una gran madurez en sus obras. Van Gogh comenzó un nuevo estilo fluido en formas de olas para dar la impresión de que el marco se está moviendo. El holandés también expuso madurez cuando él se memorizo toda la ciudad para poder pintarla de forma detallada en su área de trabajo. Todos los edificios y hasta las estrellas que están dibujadas ahí; en la vida real si se encuentran ahí. El autor si intento poner todo lo que se encontraba ahí, sin embargo le agrego de su propio estilo (las olas y los colores) para darle un toque de autenticidad a la pintura.

Palazzo Medici Riccardi

Miguel Botello A01193425
Mauricio Garza A01193289

Palazzo Medici Riccardi

El Palacio Medici Riccardi es una obra arquitectónica creada en el año 1444 por el arquitecto Michelozzo di Bartolomé. La obra se encuentra en el centro del origen renacentista que es en Florencia, Italia. La obra está creada por piedra labrada a mano y la obra sigue la tradición Florecentista de tener un patio cuadrado creado con la técnica del esgrafiado.

La obra pertenece al estilo renacentista ya que una gran cantidad de las decoraciones están basadas en estilos usados en esa época. Unos ejemplos serían las cúpulas que son bien comunes en la obra, los arcos que se ven en las entradas del edificio y el edificio es menos imponente que obras de épocas pasadas. Esto se debe ya que en esta época el objetivo no era hacer que el humano se sintiera pequeño, más bien que el humano era importante y que este no debería de sentirse pequeño. Otro ejemplo de la decoración renacentista que era muy usada en la ciudad de Florencia es que el patio era cuadrado.

El autor vivió en una época de cambio en donde el humano y el individualismo estaban agarrando mayor importancia. El autor estaba viviendo una época en la que el poder de la iglesia comenzaba a declinar y agarraban mayor importancia los sentimientos de los humanos y sus deseos. En  esta época los autores de las obras ya no se mantenían en anonimato ya que cuando uno se mantenía en el anonimato no se sentía como un humano individual. En esta época las pinturas y las obras de arte ya no solamente era para promover a la iglesia, también se usaba el arte para transmitir ideas diferentes a las de la iglesia como los hizo Martín Lutero con su publicación de la 95 tesis.

La obra si es históricamente valiosa ya que sigue un estilo característico de la época como las cúpulas y los arcos. La obra sigue los parámetros de las obras que impusieron el estilo de la época aunque la obra analizada no sea tan famosa como otras obras como la basílica de San Pedro. El edificio también demuestra madurez por parte del autor ya que la obra fue creada con una buena técnica y no hay fallas arquitectónicas. El autor de la obra sabía lo que estaba haciendo para que la obra no fallara y no saliera de manera mediocre.

Mona Lisa

Miguel Botello A01193425
Mauricio Garza A01193289

Mona Lisa

En la pintura de la Mona Lisa creada por Leonardo Da Vinci, se observa una mujer con expresiones faciales relajadas. La mujer parece que se encuentra en el campo observando algo que no se muestra en dicha obra de arte. La Mona Lisa tiene una vestimenta que parece ser de la época y tiene los brazos cruzados. Por último la señora tiene una sonrisa que apenas se llega a captar y los ojos de ella te siguen a todos lados sin importar de qué ángulo la observes.

            Hay muchas características que se observan por parte de la Mona Lisa como la línea curveada que demuestra fluidez en la pintura. También la obra tiene harmonía ya que los colores son de tono oscuro y no se rompe este patrón; si el patrón se rompiera la armonía de la pintura se perdería. La pintura también no tiene textura ya que es una pintura y las pinturas no tienen textura pero lo que la obra si tiene es un buen espacio alrededor de la mujer.  La mujer fue dibujada en un campo abierto donde se alcanzan a ver muchos detalles detrás como caminos y bosques.

            Se cree que los que la obra intenta transmitir es que hay que ver la vida con unos ojos tranquilos y simples. Esto se razona ya que la Mona Lisa parece estar en un lugar desolado, sin embargo, ella mantiene su calma y su felicidad y esto se llega a captar con su sonrisa y sus ojos. También lo que la obra intenta transmitir es que no importa que esté del otro lado o en el futuro (en la pintura la señora está viendo algo que no se) hay que mantener una actitud positiva y relajada, por qué si estas tenso y de mal humor de seguro las cosas van a acabar saliendo.

            La obra si es estéticamente valiosa ya que intenta trasmitir las teorías del imitacionalismo y emocionalismo. El imitacionalismo se llega a ver ya que la obra intenta representar a una señora de la manera más real y detallada posible. El autor intenta hacer creer al espectador que en verdad está viendo a una señora sonriendo. El emocionalismo se capta en las emociones que transmite la Mona Lisa; transmite emociones relacionadas con la calma y la simpleza. Cuando el espectador ve a la señora lo que percibe son unos ojos calmados y que no tienen ninguna preocupación en este mundo. En conclusión la obra si es artísticamente aprobada.      

  

Arquitectura

Miguel Botello A01193425

Mauricio Garza A01193289

Visita Cultural

Fuimos a un lugar llamado el Centro Cultural Plaza Fátima que tiene una exposición de 21 jóvenes arquitectos mexicanos. En la exposición había maquetas de todo tipo de construcciones como, edificios, casas y departamentos, entre otros. Los arquitectos que estaban involucrados en el evento eran puros arquitectos mexicanos que apenas están comenzando y que tienen un gran potencial. El material principal de las maquetas era madera, ya que es muy utilizado para hacer modelos a escala. Lo que más nos gusto fue el estilo que usaron para hacer los distintos edificios. Todos los edificios que estaban en la exposición mostraban un estilo moderno. También nos gustó que hicieran la exposición de arquitectos mexicanos porque esto les ayudará a que tengan más fama y puedan crear muchos más edificios.










Las características artísticas que podemos ver en las maquetas es el uso de ventanas, ya que le da un estilo moderno a los edificios. Además podemos ver que estas obras son dirigidas para las personas que son jóvenes debido al estilo de construcción y debido a los pisos que tienen.La metodología que es más conveniente usar para este tipo de obras es la crítica porque así podremos conocer más a fondo el estilo moderno que se está comenzando a emplear en las casas y edificios en estos últimos años.





En la obra podemos ver un edificio que usa principalmente rectángulos y cuadrados. Podemos ver también que tiene una gran cantidad de ventanas y todas la partes del edificio resaltan. Debido a que es un modelo está hecho hecho de madera y carece de colores. Podemos ver en la obra como las formas en la obra tratan de ser tridimensionales por lo que están como salidas. Las líneas pertenecientes en la obra nos representan fuerza, las verticales, calma, las horizontales y tensión, las diagonales. En el espacio podemos observar como las figuras se van sobreponiendo en otras para darle esa tridimensionalidad. Además vemos el balance asimétrico de la obra viendo que no son iguales ambos lados. Y finalmente la proporción del edificio es el adecuado porque las figuras tienen la proporción correcta.






En esta obra nos podemos dar cuenta de como con los distintos elementos del arte tratan de basarse en un arte moderno. En realidad esta obra es un spa que trata de transmitir un ambiente liberador y tranquilo. Esta obra me da la sensación de relajación, pues esta compuesta horizontalmente y contiene colores claros.

La obra es estéticamente valiosa porque se basa en la teoría del imitacionalismo ya que trata de aparentar ser algo realista como lo es una casa y lo podemos ver cuando trata de utilizar las funciones tridimensionales de las formas y las figuras.

Ángel de la sonrisa

Miguel Botello A01193425
Mauricio Garza A01193289

Angél de la Sonrisa

En el Ángel de Sonrisa se logra apreciar una figura humana sonriente que en su espalda tiene dos alas. También se logra apreciar que la cara del ángel es sonriente y además el ser divino tiene un puño cerrado. El ángel tiene un atuendo de la época, que era una túnica; el pelo del humano con alas es ondulado. La obra no está pintada, sin embargo parece que los años le borraron la pintura. Atrás del servidor de Dios se logra apreciar unas plantas esculpidas.

            Las relaciones más importantes entre los principios del arte y los elementos del arte en esta obra son la proporción y la textura. Esto porque el ángel está construido con una proporción humana correcta y con la textura bien definida de un ser humano. De seguro el principio y el elemento del arte fueron combinados para dar la impresión que el ángel si era de verdad y para darle un toque de realismo a la escultura. La textura se ve lisa y esculpida con cuidado. También la figura tridimensional y el énfasis se relacionan para dar un efecto más profundo de la obra. La figura tridimensional hace parecer que el ser con alas es real y el énfasis está en su sonrisa calmada.

            Lo que el ángel sonriente de seguro representa es la grandeza de Dios y el placer de servirle a Dios. El ángel intenta decirnos que es un placer servirle a Dios; se nos transmite ese mensaje que las expresiones faciales felices del ángel. Ya que el ángel se encuentra en una catedral y está sonriendo, también se podría significar que él está feliz de ver a los creedores dentro de la catedral alabando a Dios. El ángel es el mensajero de Dios que intenta decirnos que si alabamos a Dios seremos felices.

            La obra sí es estéticamente valiosa ya que intenta transmitirnos una emoción de calma y felicidad al mismo tiempo. Esto se logra con una simple sonrisa en la cara del ser representado en la escultura. El ser intenta decirle al espectador que cuando uno alaba a Dios unos se siente feliz y calmado ya que cuando Dios esta alado de uno, no hay nada a que temerle.